My Bloody Valentine: Loveless y la búsqueda de la perfección

Es difícil hablar de un clásico. Más aun por parte de alguien que carece de una instrucción mínimamente académica y/o práctica en el arte de los sonidos y lo que desea hacer es comentar un disco transgresor tanto en lo técnico como fundamental en lo musical, pero bien merece el esfuerzo… En esta ocasión, Loveless de My Bloody Valentine.

Loveless corresponde para muchos a la cumbre creativa de un movimiento que se conoce históricamente como shoegaze o shoegazing, un término en principio acuñado por la prensa para denotar negativamente la falta de movimiento y “espectáculo” sobre el escenario de cierto tipo de músicos que actuaban de manera apática con el público (en oposición al rock y pop que alimentaba los escenarios durante los 80), pero que finalmente terminó por definir un estilo, uno caracterizado por las guitarras ruidosas y etéreas, con muchos efectos y capas, pero capaces de crear melodías de intrínseca calidad y sensibilidad pop.

Corría 1991 cuando Loveless fue editado y su sonido marcaría de alguna forma la diferencia que había a uno y otro lado del Atlántico en dicho momento: mientras en EE.UU. el grunge se apoderaba del panorama musical con un disco fundamental que marcaría la década como fue Nevermind de Nirvana, en el Reino Unido el shoegaze (con nombres como Ride, Slowdive y los propios My Bloody Valentine) y la escena de Madchester (con exponentes como The Stone Roses y Happy Mondays) eran los que gozaban de buena salud, la segunda con mayor importancia mediática por otorgar los cimientos al britpop, estilo que terminaría por dominar la segunda mitad de los 90 en la isla y que tendría mucha mayor llegada a nivel internacional (nombres como Suede, Blur, Pulp y Oasis dan cuenta de ello).

Los primeros años

El sonido alcanzado por My Bloody Valentine en su obra de 1991 fue fruto de años de búsqueda. Fundado hacia 1984 en Dublín, Irlanda, y bautizados probablemente a partir de la película slasher de 1981 del mismo nombre (aunque la mayor parte del grupo no estuviera al tanto de ello), la formación original estaba integrada por Kevin Shields (nacido en Nueva York, pero criado en Dublín) en guitarra, segunda voz y en ocasiones bajo, su amigo Colm Ó Cíosóig en batería,  Dave Conway en voz principal y Tina Durkin en teclados. Su estilo inicial, plasmado en This Is Your Bloody Valentine (1985), podía ser encasillado dentro del post-punk y no daba mayores pistas de lo que luego lograrían. Ejemplo de esta época es Don’t Cramp My Style, disponible a continuación.

La llegada a Londres: cambios en la formación y el contrato con Creation Records

Su primera incursión discográfica, grabada en Berlín, Alemania, no tuvo los resultados que la agrupación esperaba y dio lugar a cambios en la formación. Una vez asentados en Londres, Debbie Googe se integró como bajista mientras que Tina Durkin dejó la banda. Con esta configuración editarían 3 EP hasta que Conway decidió dejar la agrupación siendo reemplazado por Bilinda Butcher en voz y a su vez también aportando con una nueva guitarra. Sería finalmente con estos nombres que el sonido de My Bloody Valentine comenzaría a enfocarse realmente, dando origen a dos EP que recibieron excelentes críticas y perfilaban el nuevo sonido: You Made Me Realise y Feed Me with Your Kiss, ambos de 1988 y ambos lanzados mediante Creation Records, detalle que a la larga sería no menor. Los temas que dan nombre a ambos registros, a continuación.

El disco debut

Como antesala al disco de 1991, fue en 1988 que My Bloody Valentine lanzó el que es considerado su primer álbum en el sentido estricto del término: Isn’t Anything. Bebiendo de la experiencia alcanzada con años de trabajo y con el futuro en mente, este disco en sí ya rompió barreras clásicas y fue fundacional e inspirador para el género del shoegaze. Si bien Shields era quien dirigía mayormente los destinos sonoros de la banda, este álbum se caracteriza por poseer mucha colaboración de parte de los otros miembros de la agrupación en el proceso creativo, cuestión que queda en evidencia en los créditos de cada uno de los temas. La incorporación de Butcher aquí demuestra ser fundamental en el sonido que pulió el grupo, sobre todo en el aura que otorga su voz a lo largo de los temas.

De este registro, Lose My Breath y Nothing Much to Lose a continuación.

Cuando se intenta indagar o contextualizar el trabajo de My Bloody Valentine, existen voces que relacionan su mezcla de pop y ruido con agrupaciones del nivel de The Velvet Underground y Sonic Youth. Por otra parte, las asociaciones con el trabajo de The Jesus and Mary Chain y Cocteau Twins por ejemplo tampoco son antojadizas y funcionan como un marco que intenta ayudar a entender el sonido que se gestaba en la cabeza de Kevin Shields, principal compositor y líder de la agrupación, sonido que vería su máxima expresión en Loveless.

Serie Especial: Portadas de Discos, Capítulo III

Tercera y última entrega de la serie especial “Portadas de Discos”.

Sonic Youth – Daydream Nation

Aquí sí que me estoy metiendo en las patas de los caballos ya que, modestamente, de astronomía e historia algo sé (esta última la he estado olvidando rápidamente), pero nunca he llegado a entender la pintura… ¿Y qué tiene que ver ello con el comentario de este post? Pues que la imagen que acompaña el fundacional Daydream Nation es de una pintura realizada por Gerhard Richter en 1983 y se llama Kerze, “vela” en alemán.

No se preocupe si a priori usted pensaba que la imagen era la fotografía de una vela ya que, en cierto sentido, eso es más o menos lo que se buscaba. Según pude leer, sin ser tan radical como el hiperrealismo (que busca ser lo más fiel a la realidad), el foto realismo (tendencia a la cual pertenece Kerze) corresponde a obras que se crean a partir de fotografías intentando reflejarlas “correctamente” en la pintura. Luego, según creo entender, el hiperrealismo refleja la realidad y el foto realismo una fotografía de la realidad (espero no se pongan muy filosóficos con eso de realidad). Menciono ambas corrientes pues el hiperrealismo (más actual) es una variante del foto realismo y en ocasiones incluso son confundidos. Si alguien tiene algo que acotar en esta descripción en los comentarios, bienvenido sea.

Serie Especial: Portadas de Discos, Capítulo II

Segunda entrega de la serie especial “Portadas de Discos”.

Rage Against The Machine – Rage Against The Machine

No logro recordar cuándo fue que me enteré del origen de la imagen que sirvió de portada para el disco homónimo de Rage Against The Machine, pero desde siempre supuse que tendría alguna historia, a pesar de desconocerla por mucho tiempo. No sería extraño que quien lee estas líneas la conozca, pero tampoco lo sería que no, por lo que se las cuento.

La fotografía, tomada el 11 de junio de 1963 por Malcolm Browne (posterior ganador del Pulitzer por esta instantánea), corresponde al monje budista Thích Quảng Đức cometiendo suicidio quemándose vivo a modo de protesta por la persecución que sufrían los budistas en manos del gobierno de Ngô Đình Diệm en lo que entonces se conocía como Vietnam del Sur (República de Vietnam). Ngô Đình Diệm fue el primer presidente de dicho país, de tendencia anticomunista y católico, por lo que a los miembros de esa Iglesia les otorgaba innumerables facilidades políticas, militares y sociales que eran negadas a los que pertenecían al budismo (mayoría aplastante según leí).

Cabe situar el contexto para una mejor comprensión de los eventos: históricamente, la región más al sur de lo que hoy es Vietnam era colonia francesa desde el siglo XIX y recibía por nombre Cochinchina (su denominación por buena parte de Europa). Durante la Segunda Guerra Mundial, en el año 1941, se formó el Việt Minh para hacer frente originalmente a los franceses y luego a los japoneses que durante ese periodo ocuparon la región. Una vez acabada la guerra, Japón en su rendición deja parte del poder en manos de Hồ Chí Minh, líder de las fuerzas del Việt Minh, instancia en la que él forma la República Democrática de Vietnam (Vietnam del Norte), de tendencia comunista. Tiempo después, en 1946, Cochinchina es declarada por Francia como república autónoma (una formalidad para evitar que el Việt Minh se apodere de ella) lo que da origen a la Guerra de Indochina entre la Unión Francesa y el Việt Minh: unos para reestablecer el poder europeo y los otros para tomar control de todo Vietnam bajo el movimiento nacionalista ya mencionado. A partir de 1949 la guerra toma vuelo con el apoyo armamentista de EE.UU. y la U.R.S.S. a cada bando.

Serie Especial: Portadas de Discos, Capítulo I

Hay ocasiones en que el arte de las portadas de los discos se basa en imágenes que no fueron tomadas o creadas para dicho propósito, pero que sin embargo de una u otra forma terminan siendo la cara visible de los trabajos de algunos músicos ya sea por su particularidad, interés, significado o quizás sabe quién por qué. Dichas imágenes en sí muchas veces tienen sus propias historias y hablar de ellas y su entorno es lo que quiero hacer en este post. Originalmente iba a poner los 3 ejemplos que recordé al respecto en el presente artículo, pero cuando comencé a escribir los textos se alargaron peligrosamente y es poco probable que lo lean completo si se ven con esa muralla de información, de modo que lo dividiré en pequeñas entregas. A continuación, y por orden alfabético de bandas, la primera de ellas.

Pearl Jam – Binaural

La imagen corresponde a la de la nebulosa denominada técnicamente MyCn 18 o Nebulosa Reloj de Arena para los amigos (no siendo la única con esta última denominación). La formación de las nebulosas planetarias proviene de la explosión de estrellas con masas similares a la del Sol, por lo que en unos cuantos miles de millones de años más cuando nuestra estrella agote su combustible debiese terminar su vida de esta manera (si les interesa la astronomía, revisen la secuencia principal del Diagrama de Hertzsprung-Russell).

Bueno, como habrán notado, la forma central de esta nebulosa en particular asemeja un ojo. En la imagen de la portada del álbum sin embargo aparentemente (a simple vista) está retocada para resaltar dicha idea, enfatizando la región blanca que hace de esclerótica y jugando un poco con el contraste y saturación, eliminando el ruido y dando un color verdoso al entorno del ojo. De todas formas, los colores de las imágenes astronómicas no siempre se condicen con la realidad pues no necesariamente están tomadas en las longitudes de onda del espectro visible (es decir, aquellas longitudes de onda que podemos percibir con nuestros ojos). Según tengo entendido, la imagen de la nebulosa que nos ocupa fue tomaba con el Telescopio Espacial Hubble (HST por sus siglas en inglés) y este tiene la capacidad de tomar fotografías tanto en el espectro visible como en partes del ultravioleta y el infra rojo, de modo que quizás está con colores falsos (técnica que por ejemplo se puede apreciar en esta imagen del Sol tomada en el ultravioleta).

Álbumes 2008

He visto algunas listas por ahí que hacen mención a que este fue un gran año en cuanto a música se refiere. Puede que sí o puede que no, depende de la música que a usted le guste. Al parecer en cuanto a la música bailable y electrónica común y corriente (¿punchi punchi?), a la gente que disfruta dichas ramas le fue bien este año. Pero como no me interesan esos estilos, y por tanto no los critico ya que no los conozco, les traigo mi lista personal al margen de dichas corrientes (en la medida de lo posible).

De esta forma, en cuanto a la música que sí me atañe, la verdad es que hubo cosas bien interesantes. Aun cuando estuvo plagada de discos de bandas que ya me pudrieron como el Death Magnetic de Metallica, Chinese Democracy de Guns N’ Roses, Dig Out Your Soul de Oasis o el Viva La Vida Or Death And All His Friends de Coldplay (álbumes que no me daré ni la molestia de escuchar), puedo rescatar 3 registros de todo lo producido en el año que se convirtieron en álbumes de cabecera y que escuché una y otra vez sin aburrirme. Procedo a mencionarlos a continuación para luego otorgar las menciones honrosas y finalmente la “revelación” (disco de una banda que no conocía) del año.

Mejores Álbumes De 2008

A título personal y no necesariamente los que a usted le gustaron en estos doce meses…

Portishead – Third

Para mí, el disco del año. También regreso del año, mejor reinvención de banda del año y visión musical de este 2008. Los ingleses aplastan con una batería de canciones memorables, pero que no se dejan querer fácilmente. Y es que es necesario darle hartas pasadas y ponerle harta atención para descubrir lo que se teje sonoramente en lo que para mí es la propuesta más demoledora, desde el punto de vista musical, del año presente.

Para quienes no hayan escuchado el disco y crean que es más trip-hop del estilo de los dos primeros álbumes de la banda, pues se encuentran totalmente equivocados. Con mucha mayor presencia de la electrónica, pero siempre marcando la sólida voz de Beth Gibbons, el viaje que propone Third es complejo y oscuro, de dedicación por parte de los músicos y de los oyentes que no deben dejar pasar esta joya de 2008, aun cuando la primera impresión pueda ser que es un disco más solamente o que derechamente no gusta. Abstráiganse de la era mp3 y pongan atención a lo que están escuchando. Se sorprenderán gratamente.

Magic Doors